Trasmettere e condividere
Il piacere dello sforzo
Zero dolore, zero ansia: soltanto il piacere di suonare!
Le patologie funzionali del musicista sono oggi ben documentate:
Anche le patologie funzionali dei danzatori sono oggi ben documentate:
Le patologie degli attori non sono ovviamente specifiche quanto quelle dei danzatori e dei musicisti.
Esistono poi altri disturbi altrettanto invalidanti (non classificati come patologie):
La «tendinite»: un termine usato impropriamente, che genera ancora molta confusione. Questi disagi possono diventare invalidanti.
Un altro esempio: la mancanza di flessibilità scendendo nel registro grave deriva da un rilassamento eccessivo dell’imboccatura. Questo disagio vi porta a compensare, crea tensioni inutili e affaticamento.
Non dimentichiamo che la qualità dell’imboccatura e delle labbra dipende dalla dinamica della lingua e dalla respirazione. La lingua è direttamente legata alla gestione del flusso d’aria ed evita le compensazioni dell’imboccatura o delle labbra.
Concentrarsi solo sull’imboccatura è fonte di tensioni:
Per ottimizzare l’imboccatura o le labbra conviene regolare le spalle, l’asse verticale «dai piedi alla testa», la respirazione e la lingua.
La prevenzione è indispensabile per evitare o ridurre la comparsa, lo sviluppo e la gravità delle patologie funzionali, che colpiscono i più giovani come i più esperti.
Una formazione su misura, che tiene conto dei vostri obiettivi, dei vostri impegni e di dove vivete.
Costruiamo insieme il contenuto della vostra formazione in base alle vostre esigenze e man mano che procedete. I temi trattati sono i seguenti, tutti direttamente legati al vostro modo di suonare:
Per organizzare la formazione avete diverse possibilità, in base a dove vivete e alla vostra disponibilità:
A Paris lavoriamo insieme in un ambiente pensato appositamente per gli artisti. I video vi permettono di vedere e rivedere contenuti specifici e di assimilarli ancora più rapidamente. Lavoriamo su un piano d’azione definito al primo incontro, che si evolve nel tempo per rispondere alle vostre esigenze. Le sessioni di gruppo a Paris, da 3 a 5 professionisti, accelerano l’assimilazione. Sono sessioni particolarmente ricche, perché le domande di ciascuno sono utili a tutti. A seconda di dove abitate, possiamo anche lavorare a distanza e alternare tutte queste possibilità.
Tutte queste formule sono naturalmente complementari e vi permettono di scegliere ciò che è più pratico per voi, per avanzare al vostro ritmo.
Chiamatemi oppure scrivetemi un’e-mail lasciando il vostro numero di telefono: sarò felice di accompagnarvi personalmente nei vostri progetti.
A Paris o a distanza, al vostro ritmo
Le formazioni seguenti sono finanziabili per i lavoratori intermittenti dello spettacolo, per i docenti di scuole di musica e conservatori e per i musicisti d’orchestra.
Alla pratica pensiamo noi: voi vi concentrate sulla formazione per metterla subito in pratica.
Lasciatemi il vostro numero e risponderò a tutte le vostre domande: contact@marcpapillon.com
A presto,
Marc, 06 62 23 61 03
I primi incontri saranno dedicati a valutare la vostra organizzazione di lavoro (tecnica, mentale e strategica) e a costruire un piano personalizzato che risponda alle vostre esigenze e ai vostri obiettivi. In gruppo o individualmente, online o in presenza: amo viaggiare e venire a conoscervi.
Tutti hanno dei punti deboli nella ricerca dell’eccellenza. Lavorerò a stretto contatto con voi per scalare queste montagne, dopo averle chiaramente individuate e messe in ordine di priorità. Salire sul palco e suonare con le proprie fragilità, sfruttando appieno tutte le proprie risorse, è liberatorio.
Essere artisti non significa soltanto esercitarsi e migliorare il proprio modo di suonare: per questo condividerò con voi altri strumenti utili, come l’immaginazione motoria, la visualizzazione mentale, la mindfulness, tutti strumenti da integrare gradualmente (zero dolore e zero ansia) per una totale libertà espressiva.
Trio, quartetto, quintetto · classica, jazz, contemporanea
Fate parte di un ensemble di musica da camera, jazz o pop-rock? Invitate il vostro gruppo ad andare ancora più lontano. Formazione finanziata per i lavoratori intermittenti dello spettacolo.
Per chi suona in queste formazioni, la pratica non richiede soltanto qualità strumentali e artistiche di alto livello: esige anche, da parte di tutti i musicisti, una ricerca di coesione sia tecnica sia estetica. La pratica d’insieme privilegia proprio questo tipo e questo grado di impegno, al tempo stesso personale e collettivo. Questi gruppi si costruiscono necessariamente nel tempo. Un gruppo stabile non è soltanto tre, quattro, cinque o sei musicisti che eseguono una partitura: sono esseri umani che dialogano in musica. E, nel caso dei gruppi professionisti, lo fanno davanti a un pubblico.
Fisica · Tecnica · Strategica · Mentale
senza strumento
Le chiavi della preparazione fisica prima di suonare (prove, audizioni, concerti, concorsi). Acquisire resistenza, flessibilità, reattività, stabilità, potenza, gestire il corpo nello spazio.
allo strumento
Collegare le esigenze tecniche dello strumento al rispetto dell’anatomia funzionale: suono, vibrato, cambi di posizione, tempi, dinamiche, colonna d’aria, flessibilità dell’imboccatura, attacchi, ecc. Distribuire gli sforzi, risparmiarsi…
organizzazione dello studio
Imparare a organizzare il tempo di lavoro e le priorità, sviluppare l’efficacia, le pause… Una strategia ottimizzata libera tempo.
atteggiamento
Sviluppare la concentrazione, suonare con sicurezza in ogni circostanza, con obiettivi chiari. Un approccio fine ed ergonomico sviluppa le qualità ricercate: velocità, resistenza e piacere di suonare insieme.
I laboratori sono pensati perché il musicista e il gruppo possano usare, già dalle prove e dai concerti successivi, gli strumenti sperimentati durante queste giornate. Con il coaching di gruppo avete accesso ai video-laboratori un mese prima del nostro incontro, così da avere il tempo di guardarli tutte le volte che serve.
La prevenzione è indispensabile per evitare o ridurre la comparsa, lo sviluppo e la gravità delle patologie funzionali, che colpiscono i più giovani come i più esperti.
Queste giornate di formazione e di coaching si svolgono nel vostro abituale luogo di prova oppure a Paris.
In gruppo il musicista trae profitto dall’esperienza degli altri. L’effetto specchio è costruttivo per il lavoro di squadra e per lo sviluppo della salute fisica e mentale del musicista.
La mattina è dedicata a chiarire le confusioni funzionali in incontri individuali, mentre il resto del gruppo lavora già sulle direzioni proposte a inizio giornata.
Nel pomeriggio ci ritroviamo tutti insieme per mettere in pratica e sviluppare i vostri nuovi strumenti in una nuova dinamica di gruppo.
Il lavoro può poi proseguire durante l’anno per andare ancora più lontano e preparare, per esempio, un prossimo concerto.
Contattatemi per e-mail o per telefono: definiremo insieme il programma della giornata.
Ognuno di noi dispone di risorse per «far fronte»: come individuarle e perfezionarle per usarle al meglio sul palco o quando ci si esibisce davanti a un pubblico?
Ai partecipanti vengono forniti strumenti per fare questo bilancio. Sviluppare nuove tecniche per affrontare un’esibizione in pubblico e metterle in pratica al momento giusto.
Il corso si basa sulla messa in pratica delle diverse risorse psicologiche di cui disponiamo per ottenere la migliore prestazione possibile, e sull’applicazione concreta di tecniche che permettono un maggiore controllo e una maggiore efficacia personale sul palco o davanti a un pubblico.
Questo corso è incentrato sulla pratica di tecniche mentali e fisiche per raggiungere una prestazione musicale ottimale.
Conservatori, orchestre, scuole
Marc Papillon aiuta gli artisti a imparare rapidamente a rendere al meglio:
per arrivare infine a vedere sempre più chiaro nei propri bisogni, nelle proprie capacità e nei propri orientamenti.
Sostenere gli artisti e offrire loro uno sguardo pratico sull’integrazione di nuove conoscenze:
Marc condivide con voi il suo lavoro e continua ogni giorno a creare nuovi strumenti specifici.
La mano · l’imboccatura · la schiena · le spalle
La mano è un’architettura straordinaria e complessa.
Ogni giorno vi prendete il tempo di sviluppare sensazioni migliori.
Dal punto di vista tecnico, la stabilità del polso è la chiave della libertà delle dita. Eppure si insegna troppo spesso la «morbidezza» del polso.
Un altro esempio di confusione: si ricerca spesso il «rilassamento» del pollice. Eppure il pollice è il pilastro della stabilità della mano: mobile o immobile, permette alle altre dita di guadagnare libertà.
Quando questi punti di riferimento vengono alterati, la mano si sregola, generando dolore e ansia.
Ritrovare una mano stabile, sensibile e potente significa restituire alle dita agilità, indipendenza e precisione.
Un’imboccatura stabile, la mandibola rilassata, labbra flessibili, il controllo della lingua.
Per chi suona uno strumento a fiato è fondamentale cercare un equilibrio tra il muscolo costrittore (l’orbicolare della bocca) e tutti i muscoli dilatatori.
Se i muscoli dilatatori lavorano in tutte le direzioni, «a raggiera», i muscoli abbassatori delle labbra sono invece troppo spesso trascurati.
Un’imboccatura troppo rilassata provoca compensazioni (tensioni alla nuca e alla gola, serramento della mandibola), che limitano la flessibilità nel registro grave e favoriscono l’affaticamento.
Concentrarsi solo sull’imboccatura è fonte di tensioni:
La qualità dell’imboccatura e delle labbra dipende direttamente dalla dinamica della lingua e dalla respirazione. È l’intero sistema (lingua, fiato, postura) che va regolato per preservare la libertà espressiva.
Un asse verticale «tonico e rilassato», dai piedi alla testa: stabilità, radicamento e resistenza.
Da seduti, in piedi, camminando o a riposo, la colonna vertebrale fa parte del nostro asse.
«Devo raddrizzarmi» è un pensiero frequente e faticoso. Lasciarsi andare fino ad accasciarsi non lo è da meno. Sollevare la testa e tirare indietro le spalle non è corretto e provoca affaticamento.
Se a questo si aggiunge una respirazione troppo bassa, ne derivano inevitabilmente un cedimento della parete addominale e tensioni lombari o cervicali.
Il tono è la chiave del rilassamento fisico e mentale. Addominali, glutei, dorsali, piedi, bacino, schiena, respirazione: un asse tonico per una testa in equilibrio.
Smettete di lottare, giocate con la gravità! Il giusto equilibrio è un tono attivo: addominali, dorsali, bacino, respirazione. Questo tono permette alla testa di equilibrarsi senza sforzo e libera il musicista dalla lotta contro la gravità.
Spalle potenti liberano labbra e mani.
Suonare significa sostenere le braccia sospese in una posizione relativamente immobile. Le spalle e la nuca si affaticano e cercate di rilassarle. È un ritornello frequente, ma «rilassandole» le mettete in tensione! Perché il peso delle braccia grava sulla muscolatura della parte alta della schiena.
Le spalle hanno un ruolo fondamentale. Sospese, sostengono le braccia e condizionano la libertà delle mani e del fiato.
Un rilassamento eccessivo affatica la nuca e limita la respirazione. Tirare indietro le spalle provoca dolori tra le scapole.
Al contrario, spalle attive e toniche alleggeriscono la nuca, liberano l’imboccatura e le mani e rafforzano la fiducia in sé.
Trasmettere e condividere. Il piacere dello sforzo.
Spesso gli errori funzionali si assimilano troppo presto: la ricerca di un rilassamento fisico eccessivo genera numerose compensazioni. Spalle, polsi, ventre, pollici, lingua e gola sono le zone più colpite da questa ricerca del rilassamento.
Tanti consigli tramandati di generazione in generazione alimentano le confusioni, con conseguenze sul comfort, sulla velocità o sulla resistenza.
Grazie a un approccio più consapevole all’anatomia funzionale, i luoghi comuni vengono gradualmente sostituiti. Gli strumenti necessari all’espressione, alla velocità e al piacere facilitano questo apprendimento.
La didattica progredisce rapidamente e oggi può appoggiarsi sull’anatomia funzionale. È indispensabile integrare queste conoscenze nell’insegnamento.
È tempo di decifrare queste confusioni e di rendersi conto, per esempio, che l’immobilità è una delle cause principali delle patologie funzionali. L’iper-ripetitività e la mancanza di stabilità sono gli altri fattori che favoriscono i disturbi funzionali.
La scarsa ergonomia del gesto, il perfezionismo, il forzare e il trascurare le pause sono tutte ragioni che dimostrano l’importanza dell’organizzazione dello studio.
La pratica della musica e della danza comporta sollecitazioni biomeccaniche ripetute, che possono portare ad abbandonare la pratica o a rallentarla fortemente, pesando anche psicologicamente sulla salute.
Gli elementi generalmente riconosciuti per qualificare il lavoro ripetitivo come fattore di usura sono i seguenti:
Non si tratta però di insegnare l’anatomia, ma di offrire agli artisti delle scorciatoie in risposta ai problemi che incontrano (affaticamento della schiena, della nuca, della spalla, difficoltà nella tenuta della mano, nell’indipendenza delle dita, lassità, ansia, ecc.).
Tenere conto dell’anatomia funzionale permette di semplificare la tecnica corporea.
Questi equilibri, al servizio della danza, della musica e di ogni altra forma d’arte, vanno preservati e ottimizzati per poter suonare a lungo con tutto il corpo.
Salire sul palco faticando a gestire le proprie emozioni allontana dal piacere di suonare e di danzare.
Suonare e danzare senza emozioni (travolgenti) non significa suonare senza musicalità né danzare senza il senso del movimento.
Sviluppate i vostri punti di riferimento fisici, quelli che vi radicano e vi stabilizzano.
Una cattiva gestione delle emozioni limita le capacità tecniche e l’espressione. Limitate la vostra resistenza, ed è proprio questo a stressarvi.
Avete dunque una scelta: salire sul palco con calma, restando in contatto con le vostre sensazioni, oppure perdervi nelle vostre emozioni. O l’uno o l’altro.
Inoltre, la respirazione viene spesso usata per gestire le emozioni. Ma nel momento della prova una respirazione troppo bassa (addominale, profonda, ventrale o diaframmatica che sia) non vi rilassa.
Tutte queste conoscenze permettono ad artisti e insegnanti di guadagnare efficacia nella propria pratica e di integrarle nella propria didattica.
Dal punto di vista tecnico, la stabilità del polso è la chiave della libertà delle dita. Eppure si insegna troppo spesso la morbidezza del polso.
Un altro esempio di confusione: si ricerca spesso il «rilassamento» del pollice. Eppure il pollice è il dito più importante della mano: contribuisce alla stabilità del polso e del palmo. Proprio come l’alluce, il dito più importante del piede. La stabilità del pollice, mobile o immobile, offre alle altre dita libertà d’azione.
La stabilità della caviglia è fondamentale, così come i muscoli intrinseci del piede.
La perdita dei punti di riferimento e delle sensazioni «giuste» genera ovviamente molta ansia.
Prendere coscienza di queste confusioni facilita l’ottimizzazione del gesto e il recupero, e accresce anche il piacere di suonare.
Queste confusioni alterano il funzionamento della mano e favoriscono «tendiniti» e altre disfunzioni.